"Конец времени композиторов". Необычный концерт, объединяющий барокко и новую академическую музыку

27 февраля в тель-авивской Консерватории в рамках фестиваля русской культуры в Израиле M.ART, состоится концерт Владимира Мартынова и ансамбля Opus Post "Пёрселл и Мартынов". Незадолго до концерта композитор Владимира Мартынов и скрипачка и руководитель ансамбля Opus Post Татьяна Гринденко ответили на вопросы Евгения Когана.

Владимира Мартынова называют классиком минимализма, Татьяна Гринденко – глава ансамбля, играющего экспериментальную музыку. Вопрос – почему для израильского концерта выбран именно английский композитор XVII века Генри Пёрселл?

Татьяна Гринденко: Весь наш предстоящий концерт будет связан с театральной музыкой. Я безумно люблю театральную музыку Пёрселла, потому что она никак не иллюстративна – она прекрасна сама по себе. И, мне показалось, что по какой-то своей силе и простоте у нас получатся два равноценных отделения. Так что в первом мы сыграем музыку Пёрселла – "Сон в летнюю ночь", "Королеву индейцев" и "Фантазии", которые в плане музыки как бы оглядываются, смотрят назад, в прошлое, это музыка для медитации, своеобразные духовные упражнения. В музыке Владимира Мартынова многое тоже является духовными упражнениями, так что во втором отделении Володя исполнит посвящение Юрию Любимову, которое плавно перетечет в музыку из спектакля Анатолия Васильева "Старика и моря", которую мы исполним вместе.

А кто составлял программу?

Т.Г.: Сложно сказать… Я давно рвалась в Израиль, именно как музыкант, – вы знаете, что я здесь бываю не часто, и мне хотелось добавить в культурную жизнь Израиля свою "частицу". Мне хотелось сделать концерт, состоящий из музыки Мартынова и старинной музыки, и такая возможность появилась! Так что, наверное, можно сказать, что – да, это была моя программа, в осуществлении которой нам очень помогли.

Как вообще рождается совместная программа?

Т.Г.: Самое главное слово здесь – программа, она мне необходима. Вот, скажем, если помните, был такой момент в жизни, когда все боялись вспышек на Солнце и еще каких-то катаклизмов. И я придумала акцию по спасению человечества, по отмене Конца Света – "Последний раз, но не последний день". Несколько композиторов написали сочинения, которые должны были быть исполненными один раз, а потом эти сочинения уничтожались. Это я к тому, что – что-то витает в воздухе, когда хочется сделать именно то-то и то-то, и так создается программа выступления.

Вы много лет живете и работаете вместе с Владимиром Мартыновым. Ваши музыкальные вкусы совпадают?

Т.Г.: Наверное, да. Конечно, моя любовь к каким-то композиторам была пройдена Володей раньше и сейчас оставила его, и наоборот. Это, скорее, взаимное влияние – мы вместе уже более сорока лет, и, наверное, последние двадцать из них наши вкусы в основном совпадают. Но и до того в отношении музыки мы вряд ли когда-то ругались.

Вы принимали участие в записях Леонида Федорова. Что такого в этом человеке, что вам – серьезным академическим музыкантам – интересно участвовать в его проектах?

Т.Г.: Ну, во-первых, когда-то я и сама занималась рок-музыкой – у Володи в группе. А во-вторых, я убеждена, что заниматься музыкой должны по-настоящему свободные люди, свободные духом. Лёня – из таких.

Владимир Мартынов: Прежде всего, скажу, что с серьезными академическими музыкантами мне не о чем говорить – кроме, разумеется, ансамбля Opus Posth. Так что, если что-то не связано с академической музыкой, – это уже "плюс". Что касается Лёни, нас связывают давние дружеские отношения, одинаковые пристрастия – скажем, к Хармсу или Хлебникову. И нет ничего удивительного, что мы работали вместе. И, кроме того, крайнюю зависть к Лёне вызывает у меня его публика – замечательные люди, которых мало среди академической публики, – отзывчивые, гибкие. В какой-то степени, участие в его проектах – это причастность к той, его публике.

Вы всю жизнь занимаетесь музыкой. Делите ли вы музыку на стили и направления, или для вас это не имеет значения?

В.М.: Наверное, все же какое-то значение имеет – скажем, музыка XIX века выпадает из нашего интереса. Я имею в виду романтическую музыку – Брамса, Шопена, Листа. И в этом смысле не случаен выбор именно Пёрселла – как ни странно, его музыку можно назвать мостом, который перекидывается через не очень воспринимаемую нами романтическую музыку к той, которую мы принимаем. Пёрселл и более ранние английские композиторы лично для меня являются переходом к тому же английскому року, к The Beatles или The Rolling Stones – послушайте хотя бы Lady Jane…

Нас ждет рок-концерт?

В.М.: Нет, конечно, не рок-концерт. Но, что касается внутренних ощущений… Внутренний нерв этой музыки, скрытый под анатомическими подробностями, – он все же роковый. Рок подспудно присутствует в музыке как таковой, это вечная музыкальная субстанция, к которой можно приближаться и от которой можно отдаляться.

По материалам PR-агентства
Источник: http://newsru.co.il/rest/11feb2020/martinov.html

Эвелина Шац — известная поэтесса, искусствовед, художник, публицист, издатель, культуролог и театральный деятель — уже более 20 лет живет между Миланом и Москвой. Яркие страницы ее биографии — это работа ассистентом режиссера в легендарном театре «Ла Скала» на постановках русских спектаклей Юрия Любимова и Андрея Кончаловского, незабываемые встречи с Иосифом Бродским, Лилей Брик, нашим земляком Рудольфом Нуреевым и многими другими мэтрами мировой культуры и искусства.

Но не менее ярким оказался и совсем далекий от этого мира этап ее судьбы — жизни в Уфе, где, как выяснилось, она оказалась в глубоком детстве в самые суровые годы войны и эвакуации. В Уфу ее привезли совсем маленькой вместе с бабушкой и дедушкой из Одессы, позже сюда же приехали чудом спасенные из блокадного Ленинграда родители. Два года жизни в уфимском бараке-«скворечнике» на склоне горы на берегу Белой оставили незабываемые воспоминания настолько, что сегодня в поэтических сборниках Эвелины Шац можно найти стихи с узнаваемым образом Башкирии. Ею написано даже либретто с башкирской сказкой, которое ждет заинтересованного соавтора для постановки.

Одним из самых запомнившихся эпизодов стало то, как малыши, пряча от старших сбереженные ими для детишек кусочки хлеба в голодные годы, терпели, не ели их, а относили своем кумиру — слону, неведомо как оказавшемуся в эвакуации в Уфе, в местном цирке. А первый опыт будущего художника маленькая Эвелина получила, помогая маме, Хелен Мюллер, которая расписывала личики тряпичных кукол, доставляя радость детям и взрослым во время суровой войны.

Кроме того, оказалось, что ее отец Мануэль Шац, художник, чьи картины сегодня хранятся в музеях разных стран, в Уфе стал заместителем председателя Союза художников Башкирии и оставил чудом сохранившиеся пейзажи старой Уфы. Увидеть их и узнать о необычных виражах судьбы Эвелины Шац можно в интервью с ней в рубрике «Земляки».

Эвелина Шац является участницей почти 150 выставок, в том числе около 30 персональных. Сейчас одна из них проходит в галерее современного искусства Quintocortile в Милане. Свой фирменный стиль сама автор называет re-melt. «Я собираю мусор, осколки или обломки былого. Меня так и называют — «Мадонна мусора». Из него я создаю — инсталляции, скульптуры, ассамбляжи, коллажи. Не это ли отражение нашей перенасыщенной окружающей среды?», — говорит она.

УФА, 13 фев 2020. /ИА «Башинформ», Гульчачак Ханнанова./
Источник: http://www.bashinform.ru/news/1413777-madonna-musora-evelina-shats-iz-italii-provela-detstvo-v-ufe-/

Сегодня в Доме-музее Марины Цветаевой стартует масштабный мультижанровый проект "Тайна занавеса", который позволит по-новому взглянуть на театральное искусство и, возможно, представить театр будущего. В программе - творческие лекции, спектакли и главное связующее звено - выставка #FINDMEINATHEATER ("Найди меня в театре"), которая и стала отправной точкой для всего проекта.

Выбор места совсем не случаен, как может показаться на первый взгляд. В этом доме в Борисоглебском переулке Марина Цветаева снимала квартиру в 1914-1922 годах. Здесь она пережила свой настоящий "театральный роман", пытаясь спастись от "красной" реальности за окном. Здесь написала шесть из восьми своих пьес, ни одна из которых, к сожалению, при жизни поэта так и не была поставлена.

Директор музея Елена Жук напоминает, что театр Марины Цветаевой - это внутренний театр одного поэта: всегда очень личный и всегда от первого лица. "И поэтому нам кажется органичным поговорить глубже о театре", - замечает она.

А Каталин Любимова, которая тоже стала участницей проекта, напомнила слова своего мужа Юрия Петровича Любимова: театр будет жить и никогда не умрет, потому что предполагает живое общение между людьми.

"Я благодарна молодым, талантливым людям, которые придумывают такие интересные проекты и говорят со своим поколением на одном языке. Если молодежь будет не только смотреть вперед, но и по-новому переосмысливать свою историю, то линия великих имен русской культуры не прервется", - подчеркнула она

Театр современного художника и фотографа Евгения Гриневича, автора уникального выставочного проекта, начинается… со зрительного зала. В его зале можно по широкому проходу сразу же пройти в партер или, не спеша, пробираться между рядами, боясь наступить кому-то на ногу. Спектакль начинается, издалека лица актеров кажутся слегка размытыми, но вот зритель приближается все ближе и ближе и вдруг видит себя.

"Каждый из нас проходит свой театральный путь. Мы постоянно играем роли: когда сейчас с вами разговариваем, даже когда заходим в автобус", - объясняет Евгений Гриневич и добавляет, что его выставка "не для всех".

В том смысле, что здесь нет универсального прочтения: каждый видит все по-своему. И не стоит искать описаний экспонатов, их здесь попросту нет.

"Мы превратили дом-музей в некий храм с множеством алтарей, где гости становятся свидетелями "божьего дара", "славы" и "актерской судьбы". И только зрителям решать, что им делать: смеяться, плакать, сочувствовать или осуждать", - говорит художник.

В пространстве музея как бы сосуществуют две реальности: на первом этаже - наполненный драматизмом и отсылающий к преданию об Орфее и всемогущих норнах театр XXI века, а на втором, в квартире номер три, - до сих пор до конца неразгаданный театр Марины Цветаевой.

Посетители идут от экспоната к экспонату, из зала в зал - то ли по пути актера, то ли зрителя. И вот уже лица известных, но безвременно ушедших талантливейших актеров складываются в многозначительное слово "Занавес", у которого, по Цветаевой, нет тайны от сцены. И самые яркие и богато украшенные театральные костюмы неожиданно оказываются то ли тюремной робой, то ли смирительной рубашкой. А жизнь актера - всего лишь натянутая золотая струна, которая то слепит блеском, то вообще растворяется на фоне белого потолка. А что в конце пути? Пустота? Решать нам, зрителям: устроить ли актерам громкую овацию или лучшей наградой станет осознанная чувственная тишина.

Возможно, кому-то на этот вопрос поможет ответить внушительная просветительско-культурная программа проекта "Тайна занавеса".

Драматург, писатель и историк Эдвард Радзинский расскажет об исчезнувшем театре и своей работе с величайшими театральными режиссерами современности. Дизайнер одежды и художник театральных костюмов Игорь Чапурин покажет, как театральный и fashion-дизайн влияют друг на друга. А основатель агентства и фестиваля "ФОРМА" Юрий Кассин предложит взглянуть на современных театральных режиссеров как на новых рок-звезд. Запланированы беседы о современной театральной критике и профессии актера.

Каждый вторник ведущие специалисты профильных музеев будут читать лекции о судьбах театральных деятелей. В цикле "Музеи о театре" свои лекции представят научные сотрудники Театрального музея им. А.А. Бахрушина, Государственного музея В.В. Маяковского, Музея МХАТа, Музея М.А. Булгакова, Музея Моды, Государственного мемориального музыкального музея-заповедника П.И. Чайковского, Музея архитектуры им. А.В. Щусева.

С 22 февраля по 4 апреля гости Дома-музея смогут увидеть спектакли в постановках актрисы театра и кино Ирины Пеговой, театра-студии "15" под руководством Дмитрия Бикбаева, "Ретро-театра", театра "Школа драматического искусства", лаборатории Елены Морозовой "Артпуляция", "Ведогонь-театра", Мастерской Дмитрия Брусникина.

Текст: Наталья Лебедева
Источник: https://rg.ru/2020/02/14/reg-cfo/v-dome-muzee-cvetaevoj-startoval-masshtabnyj-proekt-tajna-zanavesa.html

Фото: БДТ имени Г.А. Товстоногова

Если учесть, что легендарный режиссер и теоретик театра Анатолий Васильев с 2006 года не работает в России и с тех пор никому и никогда не дает интервью, предстоящее событие без всякой натяжки можно назвать уникальным.

А настоящим гвоздем второго сезона Фанерного театра станет показ спектакля «Старик и море» с народной артисткой России Аллой Демидовой в главной роли.

Также состоится творческая встреча с Васильевым и будет показан его неигровой фильм «Осел».

«Хочу подчеркнуть, что на фильм вход свободный, – сообщил художественный руководитель БДТ Андрей Могучий. И добавил: Мне кажется, это очень важно для людей».

Также пройдет презентация книги композитора Владимира Мартынова, который является постоянным соавтором Анатолия Васильева. В том числе и в постановке культового спектакля «Старик и море», который посвящен другому, не менее прославленному режиссеру, много лет возглавлявшему Театр на Таганке, Юрию Любимову.

Фото: БДТ имени Г.А. Товстоногова

«Любимов и Васильев – два великих русских режиссера. И спектакль "Старик и море", к которому я написал музыку, – это памятник Юрию Любимову. Такого человека больше нет и не будет», – заявил композитор.

«Я с радостью и трепетом объявляю о начале нового сезона», – признался Андрей Могучий.

Он сообщил, что во втором сезоне вновь покажут две премьеры из репертуара Фанерного театра прошлого сезона – спектакль Яна Фабра «Ночной посетитель» и звуковую скульптуру Бориса Филановского «Архитектон Тета».

Также он рассказал, что 29 января в Каменноостровском театре состоятся концерт композитора Владимира Мартынова «Машина времени», презентация его книги «Это чудесный мир, не правда ли? Письма из Петракова» и творческая встреча с композитором.

А 1 и 2 февраля покажут спектакль «Старик и море», который представлен Международным театральным фестивалем имени А.П. Чехова к 100-летию Юрия Любимова.

«В этом спектакле три начала: музыкальное, которое воплощает композитор Владимир Мартынов. Вербальное – это текст Эрнеста Хемингуэя, который прекрасно читает гениальная актриса Алла Демидова. И перформанс – это уже мое», – уточнил Анатолий Васильев.

В рамках второго сезона Фанерного театра пройдет презентация книг историка театра Натальи Исаевой, состоятся показы двух спектаклей московского театра «Тень» и Ильи Эпельбаума «Театр воображения. Антология №1» и «Апокалипсис», к которому также приложил руку Анатолий Васильев.

Марина Алексеева

https://spbdnevnik.ru/news/2020-01-28/v-bdt-imeni-g-a-tovstonogova-startoval-vtoroy-sezon-fanernogo-teatra

Выдающемуся хореографу Юрию Григоровичу – 93

В четверг, 2 декабря, выдающийся российский хореограф, Народный артист СССР Юрий Григорович отметит свой 93-й день рождения. По традиции, в этот день в Большом театре будет идти балет "Щелкунчик" в его постановке, который не сходит со сцены уже более 50 лет.

Юрий Григорович родился 2 января 1927 года в Ленинграде. В 1946 году он окончил Ленинградское хореографическое училище (ныне Санкт-Петербургская академия русского балета им. А. Я. Вагановой) и был принят в балетную труппу Ленинградского государственного академического театра оперы и балета им. С. М. Кирова (ныне — Мариинский театр). Там же Юрий Григорович осуществил свои первые балетмейстерские опыты, сразу принесшие ему мировое признание: "Каменный цветок" Сергея Прокофьева и "Легенда о любви" Арифа Меликова.

В 1961-1964 годах Григорович — балетмейстер Ленинградского театра оперы и балета им. Кирова, с 1964 по 1995 год — главный балетмейстер Большого театра России. С 2008 года он — штатный хореограф ГАБТ, напоминает ТАСС.

На сцене Большого Юрий Григорович поставил восемь оригинальных балетов: "Каменный цветок", "Легенда о любви", "Щелкунчик", "Спартак", "Иван Грозный", "Ангара", "Ромео и Джульетта", "Золотой век". Также он автор хореографических редакций балетов классического наследия, составляющих основу репертуара Большого театра на протяжении полувека.

Заслуги мастера отмечены многими наградами: Юрий Григорович — Народный артист СССР, лауреат Ленинской премии, Государственных премий СССР и Государственной премии РСФСР, Премии правительства РФ, кавалер ордена Святого апостола Андрея Первозванного, ордена "За заслуги перед Отечеством" и еще более 60 российских и зарубежных наград.

Источник: Вести.Ru

https://www.vesti.ru/doc.html?id=3226363

С 03 по 06 марта 2020 года в Новосибирске пройдут «Композиторские читки» – четырехдневная композиторская лаборатория, в ходе которой молодые авторы со всей России услышат свои партитуры в «живом» звучании, а также получат советы от опытных наставников.
Лаборатория включает концерт из произведений современных российских композиторов, лекции и индивидуальные занятия с композиторами-кураторами, а также «читки» (ридинг-сессии) с Московским ансамблем современной музыки (МАСМ).

Кураторы «Композиторских читок» в Новосибирске – известные российские композиторы, эксперты в области современной музыки:
– Дмитрий Курляндский, член Союза композиторов России, музыкальный руководитель Электротеатра Станиславский, художественный руководитель Международной академии молодых композиторов в г. Чайковском;
Виктор Екимовский, член Правления Союза московских композиторов, кандидат искусствоведения;
– Настасья Хрущёва, член Союза композиторов России, кандидат искусствоведения, преподаватель Санкт-Петербургской консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова.

Участниками станут молодые авторы от 18 до 35 лет (включительно), прошедшие отборочный тур. Питание и проживание для участников «Композиторских читок» оплачивается Союзом композиторов России, дорога до Новосибирска – за свой счет или за счет направляющей стороны.

Принимаются партитуры для флейты, кларнета, скрипки, виолончели и фортепиано, причем возможно использование как полного квинтета, так и любых сочетаний инструментов или соло внутри заданного состава. После окончания «Композиторских читок» авторы дорабатывают свои сочинения с учетом комментариев композиторов-кураторов и МАСМ. Лучшие из этих партитур прозвучат осенью 2020 года в Москве в Музее Прокофьева.

По итогам сессии в Новосибирске из числа участников будут определены:

  • обладатели именных стипендий Союза композиторов России;
  • стипендиаты Международной академии молодых композиторов в г. Чайковском 2020 года;
  • резиденты Московского ансамбля современной музыки – их произведение будет исполнено в концертных программах МАСМ в 2020–2021 гг.

Чтобы подать заявку необходимо:

  1. Заполнить форму участника
  2. Отправить на events@unioncomposers.ru свою фотографию, копию паспорта, а также одну или несколько (до пяти) партитур в формате .pdf. В теме письма указать «Композиторские читки»

«Композиторские Читки» пройдут в Новосибирской консерватории (г. Новосибирск, ул. Советская, 31). Принимаются партитуры для следующего состава:

  • флейта (или пикколо, альтовая, бас-флейта);
  • кларнет (или бас-кларнет);
  • скрипка;
  • виолончель;
  • фортепиано.

Партитуры могут быть написаны как для полного квинтета, так и для любых сочетаний инструментов или соло внутри заданного состава.

Крайний срок подачи заявок 10 февраля 2020 г.

Проект проводится при поддержке Фонда президентских грантов.

Источник: Союз Композиторов России

Ушел Великий Человек. И все слова лишние — их будет много, очень много, и все будут заслуженные слова, а чувства не передать….

Мой личный пример для подражания. Сильная, своенравная. Глыба. Несколько лет назад, в честь 60-летия «Современника» я делала с ней большое интервью, говорили обо всем на свете, и даже обсудили возможного ее преемника, хотя тогда Галина Борисовна была полна сил и планов.

Мы проговорили три часа ,ели легендарные пирожки «Современника» и в конце я решилась спросить: «Галина Борисовна, почему вы согласились? Почему из сотен журналистов вы согласились дать единственное интервью про юбилей театра именно мне?». Ее ответ поразил. «Никому пока не даю интервью, даже к Берману и Жандареву пока не иду, хоть люблю их, а вот с вами решила поговорить. Потому что вы тоже, как и я , «против правил»....»

А совсем недавно, в конце ноября ,я почему-то совершенно импульсивно поняла, что очень хочу поговорить с Галиной Борисовной для #осторожнособчак вновь. Я набрала ее, Галина Борисовна сказала, что едет от Аллы Борисовны, что обожает ее детей как родных, что они ей дарят огромное счастье…

Галина Борисовна сказала «да» и мы договорились.

И вот у меня в календаре стоит дата интервью, в телефоне ее сообщения, а ее уже никогда с нами не будет. Никогда. Смотрю в экран, на ее ответ и не могу поверить что так….

«А потом все великаны умерли»© ...

Источник: «Эхо Москвы»
Ссылка на статью: https://echo.msk.ru/blog/sobchak/2561355-echo/
Автор: Ксения Собчак

Выражаем глубокие и искренние соболезнования родным и близким.

Семья Любимовых и Благотворительный фонд Юрия Любимова

О методе Судзуки ходят сказания далеко за пределами театральной Японии. Если в двух словах - суть в том, чтобы иметь такую концентрацию всех чувств, чтобы среагировать на режиссера в любую минуту и в любой ситуации.

Спектакль "Сирано де Бержерак" режиссера Тадаши Судзуки

Если в трех - то это целая философия: как держать эмоции под тотальным контролем, сколько тренировать тело, ежедневно работая над собой, зачем отдавать все свое жизненное пространство театру и аккумулировать для театра всю свою живую энергию…

В год своего 25-летнего юбилея, международная Театральная олимпиада-2019 впервые в истории проходила одновременно в двух странах - России и Японии. Один из ее учредителей - японский режиссер Тадаши Судзуки представил в Санкт-Петербурге "Сирано де Бержерака" как историю самурая и драматурга, пишущего перед смертью пьесу о собственной жизни. Под финал Года театра Тадаши Судзуки рассказал "Российской газете", почему Роксана в его японском спектакле говорит по-русски, а Шекспир в его театральном центре в Тога звучит всегда сразу на нескольких языках, - все говорят на своем языке и о своем?..

Две Театральные Олимпиады в Петербурге и Японии, они перекликались, были созвучны?

Тадаши Судзуки: Если рассматривать, предположим, кинофестивали, там достаточно взять пленку с фильмом и повозить ее по странам, чтобы все всё смогли увидеть. В театре такое невозможно, ехать со спектаклем - трудоемкий процесс. Если театральная постановка сегодня имеет огромный успех, то привезти ее куда-то удается только года через два, - такие законы гастрольного планирования. Но мы стараемся сократить этот разрыв. Благодаря Театральной олимпиаде спектакли, которые любят в России, в Петербурге, показать в то же время в Японии. И задача театрального олимпийского движения, которое мы основали, заключается в том, чтобы зрителей разных регионов, будь то Европа или Азия, познакомить с работами режиссеров других стран. Но не в кино на пленке, а именно с живыми людьми. Кино - это техническая энергия, на экране ты можешь увидеть только тень человека, а театр - это живая энергия многих людей.

Вы разработали "грамматику ног" и теорию баланса тела, с помощью которой достижение идеального психологического состояния - на сцене ли, в жизни ли, - уже не кажется сегодня утопией. А провозглашенный лозунг "Культура - это тело!" развили в целую философию актерского существования, познать которую стремятся актеры многих театров мира...

Тадаши Судзуки: Многие думают, что драматический театр заключается главным образом в словах. Я считаю, это ошибка. И слова - их смысл, и движение тела одинаково важны. Культура тела необходима для актера прежде всего потому, что позволяет ему свободно действовать на сцене и естественно апеллировать своими репликами. Публика ведь тоже собирается посмотреть и на физическую сторону актера. Если тело человека непривлекательно, для артиста это минус. Театр можно сравнить со спортом, и актер, как и спортсмен, должен быть подготовленным, можно сказать, атлетом.

Я видела идеальные партитуры тел ваших актеров в спектакле "Сирано де Бержерак". Удивительный момент - застывшие, как скульптуры, женщины, которые долгое время оставались неподвижны, стоя на одной ноге на стульях в самых невероятных позах. Это вне физических возможностей человека. Что вы с ними сделали?

Тадаши Судзуки: Это один из элементов тренинга. Есть специальный метод актерского мастерства (Suzuki Method of Actor Training - прим.ред.), они ежедневно им занимаются. Идеальные актеры должны быть как прекрасные греческие статуи, но которые двигаются. То есть в какой бы момент движение у них ни происходило, баланс тела должен оставаться таким же, как и у статуи. И в случае необходимости, они могут застыть так же, как статуя, сохраняя баланс. И в этом положении, то есть овладев статикой античной скульптуры, они должны говорить замечательные тексты таких авторов, как, например, Ростан или Чехов...

Почему об этом спрашиваю. Сегодня каждый бежит, каждая секунда - какое-то движение, зачастую сумбурное и хаотическое. У вас - миг застыл и мир пришел к осознанию своего настоящего, истинного ритма. Вы ставите спектакли - почти медитации. Насколько вы лично в обычной жизни можете позволить себе взять паузу, выделить время для самоуспокоения, самоусовершенствования или просто отдыха? Какая максимальная роскошь часов или дней, что вы можете уделить самому себе сегодня?

Тадаши Судзуки: Я, конечно, постоянно очень занят, но - ментально. Больше всего занята моя голова. Что касается моего тела… Я живу в маленькой деревушке глубоко в горах, где у меня шесть театров, и там же находится мой дом. "Не достиг успеха в столице, спрятался в горах", - некоторые японцы так про меня думают. Но это был мой принципиальный выбор.

Когда у меня есть возможность немного отдохнуть в этой прекрасной обстановке, я позволяю себе сделать паузу. Наверное, самое главное - то, что я не на кого-то работаю, а сам создаю свой образ жизни, то есть живу так, как я считаю нужным. И занимаюсь любимым делом. А это очень важно.

Актеров вашего театра, которые работают с вами постоянно, можно назвать вашими учениками, людьми одного вероисповедания?

Тадаши Судзуки: Они и мои ученики, и мои соратники. Мы живем, как семья. Практически не расстаемся. Это не репертуарный театр, но актеры находятся на постоянных окладах. Что позволяет им не отвлекаться на другие занятия… Кроме того, что они играют у меня, они нигде не снимаются - ни на телевидении, ни в кино. Они только мои артисты, играют только в моих спектаклях.

Сколько их?

Тадаши Судзуки: Сейчас "на зарплате" 30. Я плачу им ежемесячно, даже если они не играют в спектаклях, но они все равно там живут. Это члены труппы, а летом я приглашаю еще примерно столько же актеров на временную работу, они приезжают из Токио или еще откуда-то. Но когда я их позову, они тут же все собираются.

Актриса, которая у вас играла Роксану, родом из Грузии, заканчивала Вахтанговскую школу. Она из числа приглашенных?

Тадаши Судзуки: Она живет и работает в Москве. Наполовину русская, наполовину грузинка. В 2006 году Юрий Петрович Любимов пригласил меня поставить спектакль у него в Театре на Таганке с его артистами, и предложил тогда на главную роль Электры молодую Нану Татишвили, которая только что закончила училище. Нана приезжала в Японию, в Тогу, проходила тренинг. Это была наша первая совместная работа, потом она сыграла еще в "Короле Лире", в "Сирано".

Мелодика ее речи получилась очень специфическая. Вам удалось придать русскому языку интонацию японского.

Тадаши Судзуки: Подача голоса тоже входит в систему воспитания артистов. В процессе занятия тренингом голос такой глубокий изнутри становится. Наверное, вы заметили, что кроме мелодики речи и движения были достаточно плавные. И Нана (Татишвили - прим.ред.) двигалась, как японская артистка. Но все равно для японцев она - иностранка, русская.

Шла будто музыкальная симфония, где у каждого была своя партия. На драматическом спектакле я даже искала глазами дирижера, - думала, он где-то рядом... Юрий Петрович Любимов пользовался фонариком в Театре на Таганке. Что делаете вы?

Тадаши Судзуки: Много репетирую. Артисты запоминают свои партитуры телом.

Сколько времени вам нужно потратить, чтобы спектакль достиг идеальной формы?

Тадаши Судзуки: Все зависит от спектакля. Например, "Сирано" я продолжаю совершенствовать уже десять лет. А на первую репетицию начального варианта "Сирано" потребовалось полгода. Когда партитура уже определена, требуется меньше сил - например, месяца три.

В Японии Роксана у вас тоже говорит по-русски. Как это воспринимается? Как инородное тело?

Тадаши Судзуки: Но она и так француженка в спектакле, а не японка. Кстати, мой "Король Лир" идет всегда на пяти или шести языках - в зависимости от международного состава артистов. Каждый говорит на своем языке, но они говорят на одном дыхании. "Сирано" же - спектакль о том, что человек преклоняется перед представительницей другой культуры. И то, что она другая, не странно.

Для меня это был спектакль о том, что человек преклоняется перед своим идеалом. Что он придумал себе эту Роксану, и она более воображаемое создание, чем кто бы то ни был.

Тадаши Судзуки: Абсолютно правильно.

Поэтому Сирано мы слышим, а Роксану в основном видим. Как явление призрака...

Тадаши Судзуки: Или как иллюзию, которую он себе создает.

Сыграть иллюзию, идеал, перевоплотиться в призрака или даже бога - это сложнее, чем сыграть живого, реального человека сегодня в театре?

Тадаши Судзуки: Намного труднее. Потому что у них нет никаких бытовых движений. Им нужно вставать на котурны намного выше, чем обычным людям.

Вам в жизни, не в голове, встречались люди, которых вы могли бы назвать своими богами? Настолько уважаемы не обществом вообще, а лично вами?

Тадаши Судзуки: Мы часто пытаемся вообразить себе такого человека. Как правило, это те люди, которых уже нет с нами. Которые умерли…

Если соглашаться, что театр - это модель мира, люди театра могут изменить мир?

Тадаши Судзуки: Скорее, театр может изменить не мир, а сознание каждого отдельного человека.

На вечер, на месяц? Навсегда?

Тадаши Судзуки: Театр может помочь человеку. Лично на моем примере - то, что я занимаюсь театром не в столице, а в горах, я тем самым стараюсь изменить шкалу ценностей по отношению к образу жизни. И по отношению к театру, который может существовать не только в больших городах и столицах. Ведь можно жить и заниматься искусством не только в крупном городе.

Дословно

* Вы не замечали, что люди, которые имеют странность, недостаток, те и привлекательны… А если посмотреть на всю драматургию, начиная с античности - все герои - либо сумасшедшие, либо сплошные убийцы - возьмите Медею, Эдипа… Или даже Чехова - нигде нет позитивных посылов, ничем хорошим его пьесы не заканчиваются. Или Достоевского... Вероятно, они были позитивными людьми, но писали на негативных эмоциях.

* Роксаны никогда не было! Она возникла в воображении мужчины по имени Эдмон Ростан. А вообще держаться на расстоянии от любимой женщины - верный способ сохранить душевную чистоту в жизни для настоящего мужчины.

* Профессионал - человек, который не зависит от случайных настроений и физического состояния, кто в любое время может сконцентрироваться и выполнить свою работу.

* Художнику нужно время для репетиций, медитаций и отдыха. Режим актеров Театра Тога - они играют не больше 50-60 дней в году, но им гарантирован большой оклад круглый год, так что они могут позволить себе тратить много энергии на самосовершенствование и тренинги.

* Человек не может жить только философствованием, ему нужна реальная цель. Нет цели - происходит распад, невозможность встречи с миром. Не жить с чужой целью - вот проблема…

Визитная карточка

Тадаши Судзуки - один из учредителей Международной Театральной Олимпиады, режиссер, педагог, теоретик театра, председатель Японского театрального центра.

В Москве ставил "Короля Лира" Шекспира во МХАТе им. Чехова и "Электру" Софокла в Театре на Таганке. Японскую деревню Тога, где находится Театр Судзуки, превратил в крупнейший центр театрального паломничества, создав там масштабный комплекс из шести театров, репетиционных залов и офисов, расположенных в реликтовом парке. Перфекционист в работе, проповедник пластического театра, приверженец сюрреалистического, он знает ответ на вопрос: что делать, когда надо играть бога или призрака, как создать новый образ, не похожий ни на что, и какие реальные взаимоотношения реальных людей могут всегда пригодиться в театральной практике. Посвященные в его уникальный метод актерского мастерства (Suzuki Method of Actor Training) считают, что одно из ключевых отличий театра Судзуки - это работа с живой энергией, которой с развитием технологий у нас становится все меньше и меньше.

В рамках Олимпиады во Владивостоке проходил актерский тренинг Школы Судзуки.

"Метод Судзуки помогает активизировать ощущение энергии в теле, а для актера живая энергия необходима, ведь именно ею он должен заражать зрителей", - делали выводы участники.

Справка "РГ"

Следующая Театральная олимпиада может пройти в Венгрии в 2023 году. О готовности ее провести объявили генеральный секретарь по культуре министерства социального развития Венгрии Петер Фекете и художественный руководитель венгерского Национального театра Аттила Виднянский. Свою просьбу они адресовали Международному комитету Театральной олимпиады в лице ее основателя и президента Теодороса Терзопулоса, а также единственному члену Международного театрального олимпийского комитета от России - режиссеру, художественному руководителю Александринского театра Валерию Фокину.

В 2019-м году Театральная олимпиада стала одним из главных событий Года театра в России. Участие в ней приняли 82 театра из 22 стран. Помимо России, это Япония, Китай, Индия, Финляндия, Дания, Польша, Румыния, Венгрия, Греция, Италия, Германия, Франция, Великобритания, Испания, Бельгия, Нидерланды, Швейцария, Канада, Израиль, Литва, Австрия. В рамках олимпийской программы выступили 51 иностранный и 31 российский коллектив. 37 спектаклей были показаны в России впервые.

Программа гастролей национальных театров России объединила коллективы из Якутска, Казани, Улан-Удэ, Уфы, Элисты, Грозного и Петрозаводска.

Спецпрограммы и проекты Театральной олимпиады в России прошли в 26 городах 8 федеральных округов: Москва, Санкт-Петербург, Владивосток, Хабаровск, Магадан, Петропавловск-Камчатский, Южно-Сахалинск, Екатеринбург, Казань, Кострома, Ярославль, Псков, Великий Новгород, Сочи, Рязань, Владикавказ, Новосибирск, Калининград, Петрозаводск, Ижевск, Саратов, Ульяновск, Керчь, Севастополь, Симферополь, Ялта.

Более 480 событий посетили более 100 тысяч зрителей. Помимо этого, 70 трансляций спектаклей Олимпиады на официальном сайте и в социальных сетях набрали более 12 миллионов просмотров.

Девиз Международной театральной олимпиады-2019 - "Творить, объединяя" (Creating Bridges). Цель - объединение разных театральных школ, диалог их основателей как между собой, так и со зрителями, которым довелось увидеть наиболее полную и яркую картину современного театрального процесса.

В 2019-м, в год 25-летия со дня основания, Театральная олимпиада проходила в 9-й раз и впервые в двух странах - в России и в Японии. Между странами была организована взаимная обменная программа. Япония была представлена в Петербурге двумя спектаклями Тадаши Судзуки, а Россия представила в Тоге постановки Александринского театра и уникального национального ансамбля горлового пения из Тывы "Алаш".

В рамках программы Олимпиады в "Артеке" каждую смену проходили мастер-классы ведущих творческих специалистов Александринского театра и преподавателей Российского государственного института сценических искусств (РГИСИ) - режиссеров, историков театра и театроведов, драматургов, художников, саунд-дизайнеров, педагогов по движению, речи и вокалу. В работе Олимпийской молодежной площадки участие приняли более 6000 артековцев.

Основным городом проведения Театральной олимпиады в России стал Санкт-Петербург, а ее основной площадкой и главным соорганизатором - Александринский театр.

В Петербурге программа Международного комитета Театральной олимпиады-2019 собрала лучшие спектакли мировой сцены. Были представлены постановки таких театральных мэтров, как Роберт Уилсон, Кристиан Люпа, Хайнер Гёббельс, Теодорос Терзопулос, Саймон Макберни, Димитрис Папаиоанну, Андрей Щербан и Тадаши Судзуки. Всего в программу Международного комитета Олимпиады вошли 27 спектаклей из 16 стран, в том числе постановки из Канады, Германии, Великобритании, Греции, Китая и Индии. А начиналась Театральная олимпиада-2019 в Дальневосточном федеральном округе специальной программой, включивших в себя 12 показов спектаклей российских и иностранных театров, мастер-классов и театральной лаборатории.

Источник: «РГ»
Текст: Ирина Корнеева

Режиссер Тадаси Судзуки — о страсти к русской культуре, своем культе и уроках войн

Тадаси Судзуки считает, что возвращается эпоха театра. Он уверен: артисты должны заниматься тренингом постоянно, а Юрий Любимов был самураем. Об этом прославленный японский режиссер рассказал «Известиям». Показы его спектаклей в России прошли в рамках Театральной олимпиады — одного из главных событий завершающегося Года театра.

— Судзуки-сан, в рамках Театральной олимпиады вы показали в Петербурге две постановки. «Гятэй-гятэй», действо на основе буддийской музыки, вполне отвечало зрительским ожиданиям в плане восточной экзотики, а вот ваш выбор «Сирано де Бержерака» удивил. Это ведь очень французская пьеса. Чувствовали сопротивление материала?

— Я не мыслю такими категориями. Не забывайте, что, какой бы материал я ни ставил в своей стране — древнегреческий, русский, французский, — это всё переводы на японский язык. Тексты и переводились таким образом, чтобы быть понятными японцам. Мы к переводам относимся как к чему-то новому в нашей словесности: да, вот такая своеобразная японская литература.

Ставя того же «Сирано де Бержерака», я не пытался подражать французам. Мои актеры не надели европейскую одежду, французские парики. Часто можно увидеть, как, играя трагедии Еврипида или Софокла, актеры выходят в туниках. И это очень странно! Если уж вы оделись, как в античности, то и говорите на древнегреческом, будьте честны до конца.

Чего-то специфически французского я в Ростане не вижу. Возможно, образ мышления французский, но, мне кажется, смыслы пьесы в моем спектакле прозвучали, они понятны. Японцы всё понимают. Они очень любят «Сирано де Бержерака». И «Травиату» Верди, которая в моем спектакле звучит. И Чехова японцы тоже очень любят.

— Как вы открыли для себя русскую культуру? Я знаю, вы ставили Чехова в самом начале режиссерского пути.

— Знакомство с русской культурой началось давно, с того момента, как я узнал о Станиславском и Чехове. Можно сказать, что именно из-за любви к его пьесам я и стал заниматься театром. Конечно, русская культура — это для меня и Достоевский, и Чайковский... Но к Чехову — особая любовь. И да, как режиссер я начал с «Трех сестер», которых поставил еще в студенческие годы, когда учился в Университете Васэда.

— Какова перспектива культурных отношений наших стран? Где главные точки соприкосновения российского и японского театров?

— Только не относитесь ко мне как к представителю японского театра. В Японии со мной воюют театральные коллективы, так как я всё время говорю, что японский драматический театр очень плохой, ни на что не способный и его надо развивать. Поэтому я построил свой. Такого рода спектаклей, как у меня, нет на обычных наших сценах. Там вы увидите жалкие подражания реалистическому направлению.

В общем, если вы спрашиваете о сотрудничестве с Россией, я с удовольствием буду его продолжать, а за других отвечать не могу. Конечно, я японец. Но театр мой — не японский. Изучать его приезжают артисты из Америки, Китая, России... Потому что у меня свой метод, овладев которым, в моих спектаклях могут участвовать актеры из разных стран. Скажем, Нана Татишвили играет Роксану в «Сирано де Бержераке». Вы видели эту постановку. Когда Нана появилась на сцене, вы сразу поняли, что это российская актриса?

Нет.

— По движениям, по дыханию она ничем не отличалась от моих ребят, потому что проходила мой тренинг. А когда Нана заговорила по-русски, зал охнул! Это Юрий Петрович Любимов когда-то посоветовал мне Нану, которая тогда только окончила театральный институт. Я взял ее к себе на воспитание. Больше 10 лет назад она сыграла Электру в моем спектакле в Театре на Таганке.

Мой тренинг можно сравнить с балетом. Балетные артисты занимаются постоянно, независимо от того, есть завтра спектакль или нет. Танцовщики из разных стран могут заниматься вместе, это никого не смущает — все они «говорят» на языке движений, связаны определенной системой танца. В нынешнем драматическом театре подобного единого тренинга нет и не принято, чтобы актеры постоянно упражнялись. А на мой взгляд, нужна система, которая позволила бы с ходу, как это возможно у балетных, объединить, допустим, французских, русских и японских актеров. Тогда будет достигнута гармония.

— Со стороны может показаться, что вы, уделяя такое внимание тренингу, опираетесь главным образом на физические возможности артиста. При этом в традиции русского театра — устремленность к его душевным и духовным ресурсам. У нас режиссер десятилетиями понимался как своего рода духовный наставник, воспитатель актера. Вы принципиально не затрагиваете эти отношения?

— Как же не затрагиваю?! Моим тренингом могут заниматься только те, кто разделяет мои убеждения, мой метод. Рядом со мной нет случайных людей. Мы мыслим в одном направлении. Школа Судзуки касается не только физики актера. Обо мне с моими актерами — из-за нашей обособленности — иногда говорят как о каком-то культе. Но те, кому моя система не подходит, могут примкнуть к какому-то другому направлению. Как и в России: есть школа Станиславского со своими последователями, а есть биомеханика Мейерхольда, для которого, кстати, восточный театр был очень важен.

— Вы родились в 1939 году, ребенок военных лет. Отразилась ли та эпоха на вас как на художнике?

— Наверное, мое поколение характеризуется тем, что мы понимаем важность изучения истории. Мировой и японской. Такое событие, как война, не может остаться забытым, особенно если у нее такой масштаб. Как вы знаете, у России с Японией была война, воевала Япония и с Америкой, и с Китаем. Что, конечно, заставляет людей моего возраста задуматься о причинах. Почему моя страна ввязывалась в войны, противостояла таким соперникам?

Изучая историю, важно убрать негативный подход, не относиться к странам, с которым враждовала твоя, с отрицанием. Надо постараться понять, что привело к развязыванию всех этих конфликтов. И как избежать их в дальнейшем. Чтобы больше не было войн ни с Китаем, ни с Америкой, ни с Россией. Сегодня об этом необходимо задуматься.

Вообще, многие недооценивают значение истории, не только общественной. Скажем, если вы занимаетесь театром, вы должны очень хорошо знать историю театра и культуры своей страны. А с другой стороны, если вы хотите узнать об истории другой страны, очень полезно познакомиться с ее культурой. И её театром. Поскольку он по своей природе много чего затрагивает и объединяет.

— Вы поставили вопрос о том, как избежать войн. Театр ведь не зря считается опорой дипломатии. И для российско-японских отношений важно, что Театральная олимпиада впервые прошла в наших двух странах. Что для вас значил этот новый опыт?

— Парадоксально, но в нашу эпоху глобализации происходит не объединение, а разобщение стран. Поэтому я убежден, что этот опыт правильный, нужный и что отныне Олимпиаду так и следует проводить — не в одной стране, а в разных, параллельно. Олимпиада-2019 не случайно прошла под девизом «Создавая мосты». Я занимаюсь театром как раз для этого. И именно театр сегодня на это способен. Многие думают, что его обогнал кинематограф, популярность которого вроде бы растет и растет. Но я считаю как раз наоборот: наступает эпоха театра.

— Вы, наверное, знаете, что Валерий Фокин, худрук Александринки, на четверть японец. У нас в России его в шутку называют самураем театра. А вы японскую кровь в нем почувствовали?

— Состав нашей крови — это ведь очень условно и, по большому счету, не имеет значения. Тот же Юрий Петрович Любимов, с которым я очень дружил, разве не был самураем от театра? Еще как был! Смелый, воинственный. Но текла ли в нем японская кровь? А в Японии, кстати, меня тоже называют самураем театра. «Последний самурай», говорят. При этом у моей мамы были светлые глаза и многие думали, что в ней течет иностранная кровь. Кто знает, может, среди моих предков есть и русский? Может, во мне течет русская кровь?

СПРАВКА «ИЗВЕСТИЙ»
Тадаси Судзуки — основатель и руководитель Театральной компании Судзуки в Тоге, организатор первого международного театрального фестиваля в Японии, создатель собственного метода актерского мастерства.

В 1995 году стал генеральным художественным руководителем Центра перформативных искусств города Сидзуока и членом совета директоров Японского фонда перформативных искусств (национального объединения театральных деятелей). С 2007 года сосредоточился на собственном театре в Тоге. В 2019 году вместе с Валерием Фокиным руководил Театральной олимпиадой.

Источник: Известия

ВЫРАЖАЕМ ГЛУБОКОЕ СОЧУВСТВИЕ С СВЯЗИ ПРЕЖДЕВРЕМЕННЫМ УХОДОМ ИЗ ЖИЗНИ ЮРИЯ МИХАЙЛОВИЧА ЛУЖКОВА ЕГО СЕМЬЕ И ВСЕМ ЕГО ДРУЗЬЯМ.

МЫ ЗНАЛИ ЕГО, И ЦЕНИЛИ ЕГО , КАК КРЕПКОГО ХОЗЯЙСТВЕННИКА, ОПЫТНОГО ПОЛИТИКА, АКТИВНОГО ОБЩЕСТВЕННОГО ДЕЯТЕЛЯ И ЧЕЛОВЕКА ДРУЖЕСТВЕННОГО, КОТОРЫЙ СТАРАЛСЯ ПОМОГАТЬ ЛЮДЯМ.

СКОРБИМ ВМЕСТЕ С ВАМИ.

СЕМЬЯ ЛЮБИМОВЫХ И БЛАГОТВОРИТЕЛЬНЫЙ ФОНД ЮРИЯ ЛЮБИМОВА

Леонид Ярмольник – один из самых народных артистов – приехал в Москву из Львова после окончания школы и поступил в Театральное училище имени Б. В. Щукина. Поговорили с ним о любимых районах в столице, динозаврах в Крылатском, ресторане у дома и самых красивых станциях метро.

Мой первый московский адрес – это Трифоновка, 45б. Общежитие Щукинского училища, у Рижского вокзала (сейчас общежитие ГИТИС – Прим. ред.). Потом я жил в районе Театра Советской армии. Там у меня дочка родилась, на Трубной улице. Это вообще мой район – Самотека, там основные годы прожиты. Ну, Таганка – это мое счастливое время работы у Юрия Петровича Любимова, с 76 по 83 год я работал в Театре на Таганке.

Я хожу сейчас туда, куда попросят внуки. Куда мне прикажут, туда и иду. На санках покататься, на динозавров посмотреть – в Крылатском очень хорошие динозавры («Дино Парк» в семейном парке «Сказка» – Прим. ред.). Я всю жизнь по заданию: когда-то мной руководят режиссеры, когда-то – жена, а сейчас главное у меня – внуки.

Человека, который в столице впервые, безусловно надо вести на Красную площадь. А еще я очень люблю бульвары, Калининский проспект – Новый Арбат, Лужнецкую набережную, Лужники, Сокольники, Хамовники. Сейчас вот живем в Хамовниках. Это замечательный район Москвы. Здесь много лет прожил мой близкий друг Олег Иванович Янковский. Это такие все родные места: мне же уже достаточно лет, и даже если на каждый факт биографии по одному адресу, получится много мест. Я сам родился на Дальнем Востоке, но про этот город знаю много больше, чем многие москвичи.

Выхожу в кафе, если только дома есть нечего. В буквальном смысле рядом с домом, например, Black Market на Усачева. Честно говоря, я больше люблю домашнюю еду, она привычнее и роднее.

Самые красивые станции метро – это Маяковская, Новослободская и Площадь Революции. Если мы говорим о метро моей молодости, то станций было очень много красивых. Новые какие-то безликие: не прочтешь название, не поймешь, где ты. А раньше любую станцию можно было узнать по неповторимой удивительной архитектуре, дизайну, мозаикам. Вообще-то я в метро не был очень давно. Я автомобилист, я на машине. Еще студентами мы на такси за 73 копейки ездили с Трифоновки на Калининский. Если получалось 74 копейки, то значит таксист обманул – криво повез. Вот такие были цены!

Источник: m24.ru

Литературный вечер в Доме-музее Бориса Пастернака во Внуковском

8 декабря в Доме-музее Бориса Пастернака почитатели театра и литературы могут принять участие в литературном вечере.

— Спикером встречи станет Евгения Абелюк, заведующая проектной лабораторией по изучению творчества Юрия Любимова и режиссерского театра XX–XXI веков. Эксперт расскажет посетителям про значение образа Гамлета, героя из одноименной пьесы английского писателя Уильма Шекспира, в истории русского театра, — рассказала сотрудница Дома-музея Бориса Пастернака Елена Лурье,

Литературный вечер состоится по адресу: поселок ДСК «Мичуринец», улица Павленко, дом 3. Начало в 16.00.

Источник: mos.news

Театровед Алексей Бартошевич — о гамлетовской России, жуке на пробке и детстве за кулисами

Алексей Бартошевич считает, что лучше быть средним театроведом, чем посредственным актером, верит в то, что через постановки пьес Шекспира можно проследить историю страны, и замечает, что сегодня театр и общество не тянут на «Гамлета». Об этом главный шекспировед страны рассказал «Известиям» накануне своего юбилея. 4 декабря профессору Бартошевичу исполнилось 80 лет.

— Как правило, актеры и режиссеры с большим удовольствием рассказывают о себе. Театроведы всегда остаются в тени, прячась за своими рецензиями и книгами.

— Я особенно за масками не прячусь. Если хотите обо мне, пожалуйста. Вся моя жизнь с самого рождения связана с театром, да и семья у меня театральная. Мой дедушка — Василий Иванович Качалов, кто не знает, посмотрите в интернете. Бабушка — Нина Николаевна Литовцева — актриса, режиссер, преподаватель. Папа — Вадим Шверубович, основатель постановочного факультете в Школе-студии МХАТ, а мама — Ольга Оскаровна Бартошевич — суфлер. Они не просто работали в Художественном театре, а служили ему. Одно дело, когда ты просто числишься в списке сотрудников, другое, когда посвящаешь театру все жизнь. Я таких людей знал. И не обязательно это были актеры.

— Сегодня тоже многие говорят, что служат в театре. В чем это выражалось раньше?

— Сейчас я читаю дневник, который в 1920-е годы вел милиционер по фамилии Гаврилов. Он был дежурным милиционером во МХАТе, у него было свое место в зрительном зале. Он сидел на спектаклях и, с одной стороны, смотрел за порядком, а с другой — за игрой актеров. Знал всех артистов и каждый вечер замечал, что актер изменил в такой-то сцене, что получилось лучше, а что хуже. После показа шел к в гримерку и говорил, мол, вы сегодня сделали этот момент не так, как вчера. Театр внушал ему большую любовь, он чувствовал себя частью этого мира, человеком Художественного театра.

— Вас тоже можно назвать человеком Художественного театра?

— Да, с младенческих лет я воспитывался в этой атмосфере. Мы жили с мамой в соседнем дворе — в коммуналке на улице Горького. Меня не с кем было оставить, и я целыми днями слонялся за кулисами. Сидел в репертуарной конторе, где мне поставили столик, что-то рисовал. Или, а бывало такое — мне ставили табуретку, я вставал на нее и читал актерам стихи. Причем не «Муху-цокотуху», а Пушкина и Лермонтова. И, надо сказать, имел некоторый успех.

Помню такой случай. Я был в гостях в качаловском доме, мы обедали, и после дедушка Василий Иванович сказал: «Ты стихи, говорят, читаешь? А ну-ка почитай мне». Мы пришли в его кабинет, и я стал читать ему «Медного всадника». Я привык к успеху, к тому, что люди, когда слушают меня, всплескивают руками и восклицают: «Ну такой маленький, а уже Пушкина знает! А смотрите, как читает! Будет актером, как дедушка». Смотрю, а восторга-то на его лице не видно. Он постепенно скучнел и в какой-то момент прервал меня. Тогда я понял, что это провал. Причем первый в моей как бы актерской биографии. Сегодня я понимаю, с чем он связан. Я читал в старой театральной манере: напыщенно, самоуверенно.

Качаловский же дом не был сентиментальным. Например, мой отец никогда не называл Василия Ивановича «папа». Слов «папа» и «мама» там в ходу не было. Когда я, кстати, стал называть своего отца «папа», ему было неловко, он морщился. Так что всякого рода выспренное чтение в старом «малотеатровском» стиле там было очень не к месту.

— Но это же был не единственный ваш детский актерский опыт?

— Все мое детство и юность прошли в Пестово — в старом дворянском имении под Москвой, которое когда-то принадлежало знаменитому генералу Алексею Петровичу Ермолову. От этого имения кое-что осталось, и Художественный театр купил его, чтобы актеры там летом отдыхали. В 1950-е годы режиссер Александр Птушко снимал в Пестово фильм-сказку «Садко». Съемочной группе была нужна массовка, а там бегала целая толпа мхатовских детей! И нас всех затолкали в эту массовку.

В то лето был в Пестово и 10-летний Андрей Миронов. Поскольку он был ребенком очень известных родителей, Мироновой и Менакера, то не в массовке болтался, как мы, а играл боярского сынка. Ему надели какой-то кафтанчик, загримировали и поставил в первый ряд. Андрей тогда был такой розовенький, толстенький. Птушко посмотрел на него и сказал: «Это что за чучело?! Немедленно убрать!» И бедного Андрюшу убрали. Это был его кинодебют. И вроде как мой.

— Почему вы не решились поступать на актера? Дедушка отговорил?

— Дедушка умер, когда мне было восемь лет. Я действительно собирался идти в актеры, но… Можно быть средним театроведом и всегда устроиться на какую-то работу, а вот средним актером быть нельзя. Это несчастный человек, обреченный на муки, зависть, нищету и так далее. В какой-то момент я для себя понял, что нельзя мне идти на сцену, а от театра уже было не уйти.

В том же «Театральном романе» Булгакова есть замечательный образ: я привязан к театру, как жук к пробке. Уверяю вас, жуку на пробке несладко. Но если жук привязан пробке не проволокой, а какими-то душевными связями, то как бы это его ни волновало и ни мучило, оторваться от пробки он не способен. Это мой случай.

— Как же вы пришли именно к театроведению и Шекспиру?

— Началось с того, что я стал читать много книг о театре и театральных мемуаров. По-моему, классе в шестом упал по дороге в школу, порвал связки и слег в постель. Лежу я, значит, и вдруг мама приносит мне том Шекспира. Дальше — больше. Она была суфлером во МХАТе, получала гроши, откуда она взяла деньги, я до сих пор не знаю. Но однажды она купила очень дорогую вещь — знаменитый пятитомник Шекспира, издание Брокгауза и Ефрона. Это огромные пять томов с кожаными корешками, с шикарными иллюстрациями на мелованной бумаге. Так моя незаконная связь с Шекспиром продолжилась.

Не могу сказать: наперед знал, что когда-нибудь буду этим заниматься. Просто было интересно. А потом поступил в ГИТИС на театроведческий. Меня ужасно увлекала и пленяла история театра, потому что я воспринимал ее не столько с точки зрения сценического искусства, сколько через призму людей, которые всё это создавали: их жизни, любви, страдания, радости, поисков и так далее. Сейчас вот предложил своим магистрантам в ГИТИСе сделать работу об истории театра и России через биографии конкретных людей. Человеческое измерение истории театра мне кажется самым важным.

— Через постановки пьес Шекспира в разные отрезки времени можно проследить историю государства и людей?

— Так я этим и занимаюсь. Все мои книги, за каким-то малым исключением, посвящены не Шекспиру как таковому и даже не шекспировскому времени, а истории постановок его пьес, причем преимущественно в прошлом веке. Для меня всегда было очевидным, что таким образом можно увидеть историю конкретной страны, культуры, людей с такой ясностью, с какой мало что может сравниться.

Например, «Гамлет» всегда был для русского театра, нашей культуры, да и вообще для нашего человека особой пьесой. У Белинского в знаменитой статье о Гамлете Мочалова есть такая фраза: «Гамлет — это вы, это я, это каждый из нас». Позже Блок повторит: «Я — Гамлет». Россия всегда воспринимала себя, как Гамлет. Трагедия нашей страны, ее муки и сомнения — это гамлетовские сомнения и судьба.

Если посмотреть, как эволюционирует на нашей сцене эта пьеса, вы увидите, как эволюционируют наши история, искусство, мысль. Гамлет Гордона Крэга в Художественном театре, затем — Михаила Чехова. Послевоенный «Гамлет»: постановка Григория Козинцева в Александринском театре с Бруно Фрейндлихом, и в это же время в Театре им. Маяковского появляется постановка Николая Охлопкова.

Появление этих двух спектаклей говорит о том, что Россия ощущала себя в 1950-х в ситуации Гамлета, когда вдруг рухнул мир иллюзий. Человек и страна оказались наедине с необходимостью делать выбор: быть или не быть. Это и есть выбор послесталинских времен. Для моего же поколения значим «Гамлет» Юрия Любимова с Владимиром Высоцким. Это не просто театральная интерпретация, а часть нашей жизни. Гамлет, говоривший от имени поколения, к которому я принадлежу.

— Могу ошибаться, но за последнее время на отечественной сцене, быть может, за исключением работ Юрия Бутусова, не появилось практически ни одной шекспировской трагедии в чистом виде. Это тоже что-то говорит о сегодняшнем дне?

— Существует такое понятие, как право на трагедию. Не всякое поколение его имеет. Ведь к смерти, несчастьям, убийствам трагедия не сводится. В мелодрамах подчас крови льется гораздо больше. Чтобы трагедия родилась на сцене или в литературе, нужна, с одной стороны, значительная личность, которой есть что утрачивать в душевном смысле, а с другой, необходимо, чтобы устройство мира было достойно трагической коллизии.

Сейчас мы скорее живем во время трагигротеска, больше склоняемся к постмодернистской трагикомедии. Скажу немного грубо, но, мне думается, сегодня мы не тянем на «Гамлета». Это совершенно не значит, что пьесы Шекспира не надо брать в работу. Сейчас, кстати, Юрий Бутусов ставит «Бурю» в РАМТе. И тут интересно проследить за самим его выбором.

«Буря» — пьеса итоговая, пьеса конца, которую Шекспир написал незадолго до смерти. Мы тоже сегодня живем во времена итогов, когда кончается огромная полоса истории, а что будет дальше — непонятно. В «Буре» в финале герцог Просперо возвращается в свой Милан, получает назад герцогский трон и вместе с тем говорит, что «каждая моя третья мысль будет могилой». Фраза, которая для современного прочтения этой пьесы крайне важна.

Раньше финал «Бури» понимали как торжество справедливости, любви, злодеи раскаиваются и отдают трон. Сейчас пьесу воспринимают по-другому — не время для благодушных финалов, для лучезарного оптимизма. То есть мы и на трагедию не тянем и в счастье с гармонией не очень-то верим.

Мы обращаемся к классике не для того, чтобы узнать, как жили люди в 1564 году, а чтобы понять себя — что мы такое, чем и зачем нам жить. Интерпретация классики есть форма самопознания. То, что иногда нам кажется насилием над классическим текстом или слишком решительным отходом от него, на самом деле приближает нас к нетрадиционной, не сентиментальной сути материала.

— Несколько лет назад вы выходили на сцену МХТ имени Чехова в качестве актера.

— Да, в 2013 году к 150-летию Станиславского Михаил Дурненков написал, а Кирилл Серебренников поставил документальный спектакль «Вне системы» о Константине Сергеевиче и людях его времени. Константин Райкин играл Михоэлса, Дмитрий Черняков — Вахтангова, Кирилл Серебренников — Мейерхольда и так далее. И там было три Немировича-Данченко: покойный драматург Михаил Угаров, Константин Хабенский и я.

У меня была большая сцена. Ближе к финалу в суфлерской будке появлялся Олег Табаков и читал текст Станиславского, а после в темноте на сцену выходил я и читал речь Немировича-Данченко на панихиде Станиславского. Для меня, мхатовского дитяти, выйти на эту сцену, с одной стороны, было очень страшно, а с другой — настоящее счастье.

— Не пожалели, что не рискнули стать актером?

— Эти выходы на сцену — случайность в моей теперь уже долгой жизни, и уж если говорить об этой жизни, то главным было то счастье, которое я получал от многолетней преподавательской работы, от общения со студентами. В общем-то, моя жизнь сложилась достаточно удачно.

Справка «ИЗВЕСТИЙ»
Алексей Бартошевич окончил театроведческий факультет и аспирантуру ГИТИСа. Завкафедрой истории зарубежного театра в ГИТИСе, завотделом современного западного искусства в Институте искусствознания. Доктор искусствоведения, профессор, заслуженный деятель науки Российской Федерации. Председатель Шекспировской комиссии Научного совета по истории мировой культуры РАН, член исполкома Международной шекспировской ассоциации. Лауреат театральных премий Станиславского, «Чайка», «Фигаро».

Автор: Денис Сутыка
Источник: Известия IZ

Фотографии с вручения премии Тадаси Судзуки

О премии

Международная театральная премия имени Юрия Любимова была учреждена в 2017 году, в год столетия Юрия Любимова, Некоммерческой Организацией «Благотворительный фонд развития театрального искусства Ю.П.Любимова» и Международным институтом театра (ITI).

Присуждается премия режиссерам, деятелям театра за выдающиеся достижения в театральном искусстве, которые воплощают в себе творческую цельность и мужество, которые упорно делают свою работу, несмотря на всё трудности времени, которые поистине верят в то, что они делают.

Впервые премия была вручена в 2018 году. Лауреатом стал русский режиссер Анатолий Васильев.

В этом году премия вручена всемирно известному японскому режиссеру, педагогу, философу и теоретику театра Тадаси Судзуки. Его работы оказали значительное влияние на мировую сцену. Судзуки является основателем и руководителем SCOT (Suzuki Company of Toga), организатором первого международного театрального фестиваля в Японии (Toga Festival), создателем метода актерского мастерства (Suzuki Method of Actor Training).

Церемония вручения премии прошла в Российском государственном академическом театре драмы им.А.С.Пушкина (Александринский) в Санкт-Петербурге. В этот вечер Маэстро Тадаси Судзуки представил зрителям свой спектакль «Сирано де Бержерак» в рамках театральной Олимпиады 2019.

Видео с церемонии вручения премии

Каталин Любимова вручает театральную премию имени Юрия Любимова режиссеру Тадаси Судзуки.

Опубликовано Наной Татишвили Суббота, 16 ноября 2019 г.

В Царском фойе Александринского театра состоялась церемония вручения Международной театральной премии имени Юрия Любимова. Ее обладателем стал мастер сцены, режиссер Тадаси Судзуки (Япония).

Открыл церемонию награждения художественный руководитель Александринского театра Валерий Фокин. Он напомнил, что в свое время Юрий Петрович Любимов стоял у истоков создания Театральной Олимпиады, был первым представителем России в Международном комитете Театральной олимпиады, поэтому символично, что Премия имени Юрия Любимова вручается выдающемуся японскому мастеру Тадаси Судзуки именно в дни Олимпиады.

Премия Любимова — общественная премия, учреждённая в 2015 году в честь 100-летия выдающегося театрального деятеля. Традиционно она вручается деятелям искусства, которые внесли весомый вклад в развитие современного российского общества.

Фото: официальный сайт Александринского театра
Источник: Телеканал «Россия – Культура»

Фотовыставка Банка России «Магия театра» пройдет в Музее предпринимателей, меценатов и благотворителей. Экспозицию можно будет увидеть уже в пятницу, 15 ноября, в 19:00. Об этом объединенной редакции Южного округа сообщила пресс-служба Банка России по Центральному федеральному округу.

Выставка получила свое название в честь монеты, которую Центробанк выпустил в преддверии Года театра. Однако на самом деле «Магия театра» — это не первые деньги, на которых изображена символика, связанная со сценической игрой. Впервые их выпустили ровно 30 лет назад, когда в конце 80-х было решено создать банковскую серию, отображающую менталитет русского народа.

— В конце 80-х годов в связи с расширением контактов с зарубежными странами появилась необходимость создать серию монет, которая демонстрировала бы наше культурное своеобразие, — рассказала «Донскому району» эксперт пресс-служба банка Ольга Нефедова. — Очевидным, не требующим перевода и безошибочно узнаваемым образом для воплощения на монетах стал балет!

Действительно, с 1989 начался выпуск целой серии с изображением сцен русского классического танца. Всего такая коллекция насчитывает около сотни экземпляров из драгоценных металлов – серебра, золота, платины, палладия.

По словам сотрудницы пресс-центра, экспозиция будет включать небольшую часть, посвященную великим русским композиторам, хореографам, режиссерам и актерам. Среди них — Константин Станиславский, актриса Ольга Книппер-Чехова, Николай Гоголь, Юрий Любимов, Аркадий Райкин и другие.

— На монетах посетители увидят сцены из известных постановок: «Щелкунчик», «Спящая красавица», «Иоланта», оперы «Игрок», драмы «На дне», изображения зданий Новосибирского театра оперы и балета и Каменного театра в Петербурге, известных танцоров, актеров, писателей. Например, на монете «Магия театра» в сценическом костюме изображена Медея Фигнер – первая исполнительница партии Иоланты, на монете 225-летие Большого театра (Спартак) — знаменитый танцовщик Владимир Васильев.

Монеты, которые будут представлены в экспозиции, были созданы руками опытных художников-медальеров: Александром Баклановым, Антоном Щаблыкиным, Игорем Комшиловым и другими.

Еще одной «фишкой» экспозиции станет «монета творческого союза» России с южной Испанией. Она посвящена перекрестному году двух стран. Ее создавали два художника: россиянин Александр Бакланов и испанка Бегония Кастельянос.

— Был замысел показать наш балет, движения, позы балерин, — рассказал медальер. — Только силуэты. Сделать монету чистой и ясной. Силуэты сделать труднее, чем сцены, потому что все видно: пропорции, ракурсы, детали, ничего не спрячешь. Было сложно и интересно. Много работали в музее Вагановского училища: там великолепные фотофонды.

Помимо осмотра выставки, в программе предусмотрена лекция, посвященная истории создания монет. Прочтет ее ведущий эксперт музейно-экспозиционного фонда Банка России по ЦФО, кандидат исторических наук Ольга Григорьева.

Посетить мероприятие можно будет бесплатно, вход на него свободный. Выставка будет открыта до 30 ноября по адресу: улица Донская, дом 9.

Фото предоставлены Ольгой Нефедовой
Источник: Районная газета ЮАО - Мой район Донской